Mostre invernali che riscaldano l’anima, alla riscoperta della tradizione

Di Lorraine Ferrier 

«La via della pittura è tale non solo da sorprendere, ma per così dire, ci chiama; e ha un effetto così potente, che non possiamo fare a meno di avvicinarci, come se avesse qualcosa da dirci», scriveva il critico d’arte francese Roger de Piles nei suoi Principles of Painting (1708).

L’arte tradizionale parla alle nostre anime, con soggetti che ci guidano o ci castigano dolcemente, offrendoci sempre consigli per migliorare noi stessi.

Negli Stati Uniti, ci sono alcune affascinanti mostre invernali che tengono a cuore le qualità dell’arte tradizionale. Queste opere d’arte ci attirano come un focolare caldo in una giornata fredda perché, come ha indicato de Piles, hanno storie da raccontare.

Lo scopo dell’Arte

Vediamo alcuni dipinti:

La fede e l’amore paterno si mostrano teneramente in San Giuseppe con il Cristo Bambino di Giovanni Battista Gaulli (detto comunemente Baciccio). Giuseppe guarda amorevolmente suo figlio, che sta cercando di tirargli la barba riccia. È una scena accattivante e universale, progettata per tirare le corde del nostro cuore, mentre l’empatia ci trascina nell’immagine. Eppure la pittura di Baciccio ci spinge oltre il legame terreno padre-figlio raffigurando un’aureola luminosa emanata dal Cristo Bambino, elevando noi e il dipinto a un regno superiore.

«San Giuseppe che abbraccia Cristo bambino», 1670-85 circa, di Giovanni Battista Gaulli, detto comunemente il Baciccio. Olio su tela; 50 pollici per 38 1/4 pollici. (La Fondazione Norton Simon)

La Madonna col Bambino è più comunemente raffigurata di Giuseppe e Gesù Bambino. Ma le opere d’arte di entrambi i soggetti sono state realizzate per lo stesso motivo: aiutare la contemplazione e la preghiera in contesti secolari o religiosi.

Il dipinto di Baciccio è uno degli oltre 60 dipinti, disegni, stampe e sculture della mostra The Expressive Body: Memory, Devotion, Desire (1420–1750) al Norton Simon Museum di Pasadena, in California. Tutte le opere provengono dalla collezione del museo e molte sono esposte ora per la prima volta.

Come amanti dell’arte, oggi vediamo la stragrande maggioranza delle opere d’arte nei musei e nelle gallerie d’arte, in costrutti artificiali dietro corde o vetri, lontano dalle intenzioni originali degli artisti.

Questa mostra esplora il modo in cui le persone un tempo interagivano con le opere d’arte che rappresentano la figura umana. Queste opere un tempo erano esposte nelle case, nelle chiese e negli armadi dei collezionisti d’arte, e i soggetti erano espressamente scelti per educare, suscitare devozione e impartire o rafforzare l’etica.

«Madonna col Bambino con quattro angeli e due cherubini», 1470-75 circa, di Francesco Botticini. Tempera su tavola; 25 3/4 pollici per 19 1/2 pollici. (La Fondazione Norton Simon)
«Madonna col Bambino con quattro angeli e due cherubini», 1470-75 circa, di Francesco Botticini. Tempera su tavola; 25 3/4 pollici per 19 1/2 pollici. (La Fondazione Norton Simon)

Gli spettatori sperimentavano intimamente l’arte. I collezionisti maneggiavano direttamente le stampe e accarezzavano le sculture in segno di apprezzamento, come attesta la patina (uno strato verdastro causato dall’oggetto maneggiato o esposto agli elementi) su una Venere in bronzo nella mostra. Le coppie che desideravano concepire erano incoraggiate a guardare i dipinti di bellissimi amanti per essere benedette con bambini sani. I devoti usavano immagini e sculture per meditare sulla sofferenza dei martiri, per far emergere la compassione, per approfondire la loro fede e per avvicinarsi a Dio.

Particolare della «Vergine Annunciata», prima metà del XIV secolo. Marmo; 37 pollici per 11 pollici per 6-1/2 pollici. (La Fondazione Norton Simon)
«La Vergine Annunciata», prima metà del XIV secolo, attribuita ad Agostino di Giovanni. Marmo; 37 pollici per 11 pollici per 6-1/2 pollici. (La Fondazione Norton Simon)

Tradizioni Divine

«L’uso di oggetti devozionali come canali per il supporto spirituale è ancora una tradizione viva e un filo che collega molte credenze e sistemi di valori», ha dichiarato la curatrice Aimee Marcereau DeGalan in un comunicato stampa.

Nove dipinti e sculture, dal 1400 al 1730, sono attualmente esposti al museo nella mostra ‘Oggetti di devozione: il meglio della collezione di arte religiosa Van Ackeren della Rockhurst University’.

(L–R) «Testa della Vergine», 1700–1725 circa, di Giuseppe Mazza; marmo. «Immacolata Concezione», 1700 circa, di Peter Strudel; marmo. «La Sacra Famiglia», 1730 circa, di Giuseppe Maria Crespi; olio su tela. Collezione Van Ackeren di arte religiosa, Greenlease Gallery, Rockhurst University. (Gabe Hopkins/Per gentile concessione del Nelson-Atkins Museum of Art)

La piccola mostra rivela i diversi modi in cui i cristiani hanno usato e continuano a usare le opere d’arte per guidare e approfondire la loro fede.

Attraverso dipinti e sculture religiose, gli artisti del passato potevano trasmettere efficacemente verità sacre a una popolazione in gran parte analfabeta. Lo hanno fatto impregnando l’arte di emozioni realistiche, una pratica comune nell’Europa occidentale fin dal 1300. Gli spettatori commossi dalle opere acquisivano talvolta intuizioni spirituali che li avvicinavano a Dio.

«Testa della Vergine», 1700-1725 circa, di Giuseppe Mazza; marmo. Dono del Sig. e della Sig.ra Elmer Pierson in memoria della Sig.ra Daisy C. Kahmann; Collezione Van Ackeren di arte religiosa, Greenlease Gallery, Rockhurst University. (Gabe Hopkins/Per gentile concessione del Nelson-Atkins Museum of Art)

I fedeli si servivano delle immagini, intrise di simboli religiosi, per venerare i santi, affidando loro dolori e gioie.

«Standing Female Saint», circa 1450-1460, di anonimo; possibilmente tiglio. Dono della famiglia Robert C. Greenlease; Collezione Van Ackeren di arte religiosa, Greenlease Gallery, Rockhurst University. (Gabe Hopkins/Per gentile concessione del Nelson-Atkins Museum of Art)

Nella mostra c’è una santa in piedi che si crede sia scolpita nel legno di tiglio. Non è chiaro quale santa rappresenti la statua tedesca del XV secolo, poiché mancano simboli che forniscano suggerimenti sulla sua identità. Tende la mano sinistra vuota che un tempo avrebbe rivelato un simbolo della sua identità. Ad esempio, Santa Caterina avrebbe tenuto un libro e Santa Barbara una spada o un calice, spiega l’intertitolo della scultura.

Una Maria sbalordita trattiene il respiro mentre guarda Dio nella sublime scultura in marmo di Peter Strudel intitolata «Immacolata Concezione». La scultura divina mostra il momento in cui i cristiani credono che Dio abbia creato Maria libera dal peccato originale.

«Immacolata Concezione», 1700 circa, di Peter Strudel; marmo. Dono della famiglia Robert C. Greenlease; Collezione Van Ackeren di arte religiosa, Greenlease Gallery, Rockhurst University. (Gabe Hopkins/Per gentile concessione del Nelson-Atkins Museum of Art)

La Maria di Strudel ci commuove all’istante perché ha reso il suo gesto riconoscibile; chi non ha trattenuto il respiro e il petto quando era atterrito? Eppure Strudel ha usato simboli cristiani per comunicare che questa non è certamente una scena terrena. Maria si erge su una sfera celeste schiacciando un serpente che porta una mela. Il serpente ci avverte che fin dalla nascita le persone sono tentate a peccare. Maria invece, per la sua stessa virtù, dimostra che il peccato può essere vinto dalla pura fede. Ai suoi piedi putti gioiosi celebrano il suo arrivo miracoloso.

L’intertitolo accanto alla scultura afferma che nel 1600 gli artisti avevano stabilito dei simboli per rappresentare i concetti cristiani fondamentali. Ad esempio, l’arte raffigurante l’Immacolata Concezione mostrerebbe Maria che si tiene il petto in soggezione o congiunge le mani in preghiera. La falce di luna (come si vede nella scultura di Strudel) o una corona di stelle (come si vede nei dipinti di Rubens e Giovanni Battista Tiepolo) indicano il sole, perché i cristiani credono che Maria sia stata vestita dal sole, con la luna ai suoi piedi.

Arte sacra dalle Americhe spagnole

L’arte divina è anche al centro di un’altra mostra al museo, che aprirà a febbraio. Quindici dipinti ispanici provenienti da Perù, Bolivia ed Ecuador sono presenti nella mostra intitolata The Nelson-Atkins Paintings From the Spanish Americas: The Thoma Collection. Creati sotto il dominio spagnolo, i dipinti incoraggiano il tempo libero, la preghiera o la contemplazione.

«Nostra Signora di Monguí», XVII secolo (abbellimento in oro aggiunto nel XVIII secolo), di un artista colombiano non identificato. Olio e oro su tavola; 12 11/16 pollici per 10 3/16 pollici. Collezione della Fondazione Carl & Marilynn Thoma. (Jamie Stukenberg/Per gentile concessione della Carl & Marilynn Thoma Foundation)

Degli imperi europei, l’impero spagnolo è stato uno dei più grandi e duraturi. Per quasi 500 anni, la Spagna ha governato un vasto regno che si estendeva dall’Asia meridionale al Sud America.

La colonizzazione spagnola dell’America Latina iniziò nel 1535 quando l’attuale Messico, l’America centrale e parti degli Stati Uniti meridionali divennero vicereame della Nuova Spagna. Nel 1542, il Sud America (tranne il Brasile e l’estremo sud) divenne il vicereame del Perù.

«San Michele Arcangelo», fine XvII-XvIII secolo, di un artista non identificato, forse boliviano. Olio su tela; 67 1/8 pollici per 38 7/8 pollici. Collezione di Carl & Marilynn Thoma. (Jamie Stukenberg/Per gentile concessione della Carl & Marilynn Thoma Foundation)

Gli artisti europei hanno compiuto l’arduo viaggio attraverso l’Oceano Atlantico per creare arte religiosa per case, conventi e chiese in tutta l’America Latina.

Nel XVII secolo, gli artisti sudamericani avevano sviluppato uno stile artistico ispanico unico, influenzato dalla visita di artisti italiani e dalla copia e dall’adattamento dell’arte importata dall’Europa. Nel XVIII secolo, le scuole regionali e le accademie d’arte soddisfacevano prestigiose commissioni religiose e laiche.

Ad esempio, nel dipinto «Nostra Signora di Cocharcas», uno sconosciuto artista peruviano ha raffigurato vividamente una processione di pellegrini andini. La composizione è piena di pellegrini con vestiti colorati che camminano in alta montagna per rendere omaggio alla Vergine.

«Nostra Signora di Cocharcas», 1751, di una bottega peruviana non identificata. Olio e oro su tela; 49 7/8 pollici per 41 1/8 pollici. Collezione di Carl & Marilynn Thoma. (Jamie Stukenberg/Per gentile concessione della Carl & Marilynn Thoma Foundation)

Lo stile e la tavolozza ricordano quasi i gioviali dipinti contadini di Pieter Bruegel il Vecchio.

A dominare il centro del dipinto c’è la Vergine Maria, un promemoria per i cattolici di metterla al centro della loro vita. In mano tiene una statua della Madonna di Copacabana, simbolo di come iniziò il pellegrinaggio a Cocharcas nel XVI secolo.

Secondo la leggenda, un novizio cattolico che viveva nella zona di Cocharcas fu guidato dal suo protettore gesuita a recarsi in pellegrinaggio al santuario di Nostra Signora di Copacabana, sulle rive del lago Titicaca, per curare una ferita. Mentre si recava al santuario, scoprì che tutti i suoi sintomi erano scomparsi. Prese quindi una piccola copia della statua di Nostra Signora di Copacabana , giurando di servire la Vergine per il resto della sua vita. Ritornò a Cocharcas e insieme ai gesuiti mise la statua nella piccola chiesa del XVII secolo.

 

Le mostre qui evidenziate presentano opere d’arte create fino a circa 600 anni fa, dal XV secolo. Tuttavia, i messaggi trasmessi in quelle opere d’arte tradizionali trascendono il tempo e il linguaggio, poiché si basano sull’esperienza umana universale. Apprezzando l’arte tradizionale, alla fine ci stiamo connettendo con questo patrimonio ancestrale intrinseco che amava la bontà per tutti. Ora, è qualcosa che vale la pena raccontare.

 

Lorraine Ferrier scrive di belle arti e artigianato per Epoch Times. Si concentra su artisti e artigiani, principalmente in Nord America ed Europa, che impregnano le loro opere di bellezza e valori tradizionali. È particolarmente interessata a dare voce alle arti e ai mestieri rari e meno conosciuti, nella speranza che possiamo preservare il nostro patrimonio artistico tradizionale. Vive e scrive in un sobborgo londinese.

Articolo in inglese: Traditional Art Has Stories to Tell

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