Oltre la Venere di Botticelli, bellezza classica e religiosa trascendente

L’aggraziata figura di Venere, calma, sulla sua conchiglia, raffigurata dal maestro rinascimentale Sandro Botticelli, è così sinonimo di bellezza che anche chi non ha familiarità con l’arte può riconoscerla, tale è la sua fama. Ciò che è meno noto sono i suoi dipinti della Madonna che condividono simili qualità di bellezza classica.

Per tutto il Rinascimento, gli artisti hanno fatto riferimento ai classici antichi. Lo storico dell’arte E.H. Gombrich scrive nel suo libro The Story of Art che le persone erano «così convinte della superiore saggezza degli antichi che credevano che queste leggende classiche dovessero contenere qualche profonda e misteriosa verità»

Il giudizio di Paride’, 1482–1485 circa, di Botticelli e studio (tempera su legno). Galleria Palazzo Cini, Fondazione Giorgio Cini, Venezia, Italia. (Fondazione Giorgio Cini)

In ‘La nascita di Venere’, Alessandro Filipepi, comunemente noto come Botticelli (circa 1445-1510), basò Venere sull’antica statua Afrodite di Cnido (Venere per i latini) dello scultore greco Prassitele.

Particolare di ‘Venus Pudica’, Botticelli circa 1485–1490 (olio su tela). Galleria d’arte, Musei statali di Berlino

Al tempo di Botticelli, tale bellezza terrena era equiparata al divino. La curatrice Ana Debenedetti nel suo libro Botticelli: Artist and Designer scrive: «Nel corso del XV secolo, la bellezza divenne rapidamente una caratteristica importante dei dipinti devozionali e quasi un requisito dell’iconografia; questo raggiunse il suo pieno sviluppo in Botticelli».

La mostra ‘Botticelli: Artista e Designer’ al Museo Jacquemart-André di Parigi esplora il genio artistico di Botticelli attraverso circa 40 delle sue opere. Queste opere, tra cui ritratti, pale d’altare, dipinti devozionali privati e anche arti decorative come gli arazzi, sono esposte nella mostra accanto alle opere dei suoi contemporanei, dimostrando i collegamenti tra le sue opere e la cultura contemporanea, oltre che il fluido scambio di idee artistiche e stili tra gli artisti principalmente fiorentini.

‘Minerva pacifica’, circa 1491-1500, da una manifattura francese, dopo Botticelli (lana e seta). Collezione privata. (Studio Sébert, Parigi)

Figura allegorica, detta anche ‘La Bella Simonetta’, 1485 circa, di Botticelli  (tempera e olio su legno di pioppo). Städel Museum, Francoforte sul Meno, Germania.

Fin dall’inizio della sua carriera, Botticelli usò la bellezza terrena come un condotto verso il divino. Nei suoi dipinti della Vergine e del Bambino, per esempio, si può chiaramente vedere la Vergine come se fosse sia della terra che del cielo. Come scrive la Debenedetti: L’«idea che l’amore divino sia prima suscitato nei cuori umani dalla bellezza terrestre […] era un tema poetico importante nel Rinascimento».

Imparare dal maestro

La mostra inizia con l’apprendistato di Botticelli con Fra Filippo Lippi (circa 1406-1469), meglio conosciuto per i suoi dipinti devozionali. Lippi era rinomato come uno dei principali maestri del primo Rinascimento. Da lui, Botticelli imparò a creare dolci Madonne nei suoi dipinti della Vergine e del Bambino. I visitatori della mostra possono vedere quanto sia simile la ‘Vergine col Bambino’ di Lippi (circa 1460-1465) alla ‘Vergine col Bambino’ di Botticelli, conosciuta anche come ‘Madonna Campana’ (circa 1467-1470).

‘Vergine col Bambino’, 1460-1465 circa, di Filippo Lippi. (Tempera su legno di pioppo). Alte Pinakothek, Collezioni di pittura statali bavaresi, Monaco di Baviera.

Entrambi gli artisti hanno raffigurato in modo accattivante il legame madre-figlio che ci collega immediatamente ai soggetti dei dipinti. Lippi ha raffigurato il Cristo bambino che cerca di attirare l’attenzione di sua madre, mentre il Cristo bambino di Botticelli indica che vuole essere allattato afferrando un pezzo dei vestiti di sua madre. In entrambi i dipinti, la Vergine idealizzata e le aureole sopra le figure affermano che queste sono più che semplici scene familiari: sono specificamente creati per condurre lo spettatore più vicino a Dio.

‘Vergine col Bambino’, conosciuta anche come ‘Madonna Campana’, circa 1467-1470, di Botticelli (tempera su legno di pioppo). Al Museo del Petit Palais di Avignone, Francia, in prestito permanente dal Museo del Louvre dal 1976. (René-Gabriel Ojéda/RMN-Grand Palais)

Le figure della Vergine degli artisti sono quasi speculari: la Vergine di Lippi è sul lato sinistro della composizione, mentre nel dipinto di Botticelli è sulla destra. Nel 1400, inclinare, invertire e scambiare un modello-tipo era una pratica comune nelle botteghe italiane per evitare ripetizioni evidenti, scrive la Debenedetti. Gli artisti copiavano i motivi, le figure e persino le composizioni di altri artisti, specialmente nei dipinti sacri dove venivano rappresentate le stesse storie e l’opportunità di variare la composizione era limitata.

Un aspetto affascinante del lavoro di Botticelli è come il suo stile di pittura nelle sue opere devozionali sia cambiato nel tempo. In mostra c’è la sua ‘Madonna col Bambino’, conosciuta anche come la ‘Madonna del Libro’, che dipinse intorno al 1482. Il dipinto mostra ancora il legame madre-figlio, ma rispetto alle sue prime opere, la scena è satura di colore. È sparito il pesante sfondo architettonico visto nella sua ‘Madonna Campana’ per essere sostituito da una semplice finestra e una piccola collina. Botticelli aggiunse simboli religiosi alla scena: un libro di preghiere aperto e la corona di spine, per incoraggiare lo spettatore a impegnarsi nella contemplazione e nella preghiera.

‘Madonna col Bambino e San Giovannino’, 1505 circa, di Botticelli (tempere e olio su tela). Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Gallerie degli Uffizi; Firenze, Italia. (Ufficio fotografico delle Gallerie degli Uffizi)
‘Madonna col bambino’, nota anche come ‘Madonna del libro’, 1482–1483 circa, di Botticelli (tempera su legno). Museo Poldi Pezzoli, Milano. (Fotoarte/Museo Poldi Pezzoli)

L’artista elevò la Madonna al suo regno celeste nella gloriosa commissione della pala d’altare ‘Incoronazione della Vergine con San Giusto da Volterra, il Beato Jacopo Guidi da Certaldo, San Romualdo, San Clemente e un monaco camaldolese’. Botticelli dipinse la metà superiore del dipinto, mentre l’artista Domenico Ghirlandaio dipinse la parte inferiore. La scena celebrativa raffigura la Vergine che entra in cielo con una sinfonia di musica angelica che annuncia la sua incoronazione. Cinque figure devote e terrene assistono alla scena. Nell’angolo in basso a destra, il monaco camaldolese che offre la sua preghiera è ritenuto essere un ritratto del donatore che ha commissionato la pala d’altare.

‘Incoronazione della Vergine con San Giusto da Volterra, il Beato Jacopo Guidi da Certaldo, San Romualdo, San Clemente e un monaco camaldolese’, circa 1492, di Botticelli e Domenico Ghirlandaio. Tempera e olio su tavola trasferiti su tela. Donata da John & Johanna Bass, Collezione del Bass Museum of Art; Miami Beach, Florida. (Zaire ArtLab)

I Magnifici Tondi

L’artista e la sua bottega si specializzarono nel dipingere i ‘tondi’, dipinti circolari o rilievi fatti per la devozione privata, che erano popolari nella Firenze dell’epoca. La Debenedetti scrive che la «forma circolare [era, ndr] la più appropriata per rappresentare il fondamento della fede cristiana poiché, fin dall’antichità, rappresentava la forma geometrica perfetta».

Per quanto la forma possa essere matematicamente perfetta, il cerchio è una forma compositiva complessa da padroneggiare, eppure Botticelli eccelleva in essa. Come molte delle sue opere, alcuni tondi furono copiati dai suoi assistenti per creare una serie.

‘La Madonna del Magnificat’ 1490, da Maestro di edifici gotici, che si crede fosse Jacopo Foschi, attivo a Firenze tra il 1485 e il 1520 circa.  (tempera su legno). Museo Fabre di Montpellier Metropoli Mediterranea, in prestito permanente dal Museo del Louvre, 1979. (Frédéric Jaulmes/Museo Fabre di Montpellier Metropoli Mediterranea)

Nella mostra ci sono diversi esempi di queste serie di dipinti. Un tondo di particolare nota è ‘La Madonna del Magnificat’ dell’assistente di Botticelli, conosciuto come il Maestro delle costruzioni gotiche, che si crede essere Jacopo Foschi. Nel dipinto, due angeli incoronano la Vergine mentre è seduta sul suo trono celeste a scrivere. Cristo siede sulle sue ginocchia mentre guarda il cielo, con una mano su quella della madre, quasi a guidarla nella scrittura, e l’altra mano che tocca un melograno, simbolo della Passione.

Nel corso della sua carriera, Botticelli e la sua bottega crearono molti dipinti devozionali per importanti istituzioni e mecenati. Dipinse affreschi nella cattedrale di Prato come parte del suo apprendistato, completò una miriade di  opere su commissione della famiglia regnante dei Medici e creò tre scene nella cappella privata del papa, più tardi conosciuta come la Cappella Sistina. L’impatto delle opere sacre di Botticelli fu di vasta portata, poiché molti dei suoi dipinti furono replicati in serie per uso devozionale privato.

Così, anche se i dipinti della Venere di Botticelli catturano spesso l’attenzione di molti amanti dell’arte, le sue opere devozionali, non sono da meno e con la bellezza classica della Madonna e del Bambino ci avvicinano alle verità trascendenti.

La mostra “Botticelli: artista e designer” al Museo Jacquemart-André di Parigi è curata dalla curatrice del Victoria & Albert Museum Ana Debenedetti e dal curatore capo del patrimonio Pierre Curie e durerà fino al 24 gennaio 2022.

Per saperne di più, visita Musee-Jacquemart-Andre.com

Articolo in inglese  Beyond Botticelli’s Venus: Transcendent Classical Beauty

 
 
 

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